Cultura

Bogotá respira arte

Hablamos con algunos de los artistas que estarán presentes en las ferias de arte más importantes de la capital durante este mes de octubre.

Un cambio de percepcción

A través de sus performances con bombas de humo de color, el artista italiano Filippo Minelli busca reconciliar comunidades con sus paisajes. De la mano de Barcú recorrió lugares de Colombia para hacer estas intervenciones.

Filippo Minelli

Como muchas personas alrededor del mundo, el artista italino Filippo Minelli tenía un imaginario de Colombia creado por las malas noticias que por años llenaron los medios. Pero eso no le impidió entusiasmarse cuando recibió la invitación del Festival Cultural y Feria de Arte Barcú, junto con la Embajada de Italia en Colombia, para venir a hacer una residencia artística de un mes. “Tenía muchas ganas de conocer el país, es un lugar increíble, y todos los lugares que visité me generaron un gran interés. Además, nunca había trabajado en la selva y sentí que mi obra podía dar un aporte conceptual al posconflicto y a cómo resignificar algunos paisajes del conflicto a través del arte”, explica Minelli.

Gracias a este proyecto, el artista recorrió en septiembre, por un mes, varios lugares de Putumayo, Mompox, los Montes de María, la Serranía de la Macarena y la Sierra Nevada de Santa Marta. A ellos llevó las bombas de humo de colores que viene usando desde 2009 como parte del proyecto Silence Shapes, con el cual interviene los paisajes. El resultado son fotografías que documentan esas intervenciones.

Minelli tuvo la oportunidad de conocer lugares a los que antes no era fácil llegar, por el conflicto armado que vivía el país: “La finalidad era conocer estos lugares, analizar los paisajes, ver lo que se puede ver en el paisaje del conflicto y encontrar las comunidades que fueron afectadas por este”, explica el artista. “Lo que buscaba con estos performances era conectar la idea de la violencia y de la vileza con la idea de materiales que súbitamente son utilizados en momentos de emergencia, de peligro, y conectarlo todo con la naturaleza”.

La historia de Minelli con el arte es larga. Graduado con honores de la Academia de Bellas Artes Brera de Milán (Italia), pronto emigró de su país y empezó a recorrer el mundo. Ha hecho intervenciones en montañas de Suiza y Austria, en islas, en desiertos de California y Florida, entre otros lugares, y su obra ha sido expuesta en Londres, Múnich, Seúl, Singapur, Madrid, São Paulo, Venecia y Buenos Aires.

En todos estos lugares han tenido que utilizar varias definiciones para explicar su trabajo. Muchos afirman que contiene una alta carga política, otros dicen que es mayoritariamente social, y unos más dicen que tiene mucho de denuncia. Para Minelli, todos son de alguna manera válidos: “No sé si mi trabajo se puede definir como de denuncia. Eso sí, me interesa mucho la relación entre paisaje e identidad, que seguramente es un tema muy político. Me interesa ver cómo la política y la economía interfieren con estos temas, porque son cosas que además se pueden ver muy fácil en el paisaje. Creo que mi trabajo es una investigación que algunas veces es más antropológica, otras es más política y otras más de interpretación
de la realidad”.

Algo que también le llama la atención al artista es ver la reacción que genera su trabajo en las comunidades a las que llega, pues disfruta la oportunidad de relacionarse con las comunidades y explicarles lo que va a hacer. “Siempre busco que no me vean como alguien externo que llega y hace algo en los territorios”, afirma Minelli. En Colombia, donde contó con el acompañamiento del Ministerio del Interior durante su recorrido, logró conectarse mucho con las personas que conoció, al punto que algunas comunidades indígenas le permitieron trabajar en sus lugares sagrados.

Los resultados de esta residencia serán exhibidos en el marco de Barcú, en la Casa Factoría. En total se presentarán 10 fotografías en gran formato de los performances hechos en lugares donde antes hubo conflicto. El italiano afirma que además de disfrutar su tiempo en nuestro país, también le encantó trabajar de la mano de Barcú: “Si bien es feria de arte, que tiene una parte de mercado, lleva un trasfondo muy interesante, y es que intenta reactivar un área de la ciudad (La Candelaria) que hasta hace años padecía muchos problemas”.
Minelli se lleva de nuestro país muchos buenos recuerdos, y la duda de cómo esta experiencia afectó su arte y, en especial, qué impacto tuvo en las comunidades: “No estoy seguro si el arte puede afectar muchas cosas al final, pero creo que es una manera de transformar la percepción de la realidad, de crear una nueva narrativa sobre algunos lugares en algunas situaciones, y ayudar a este proceso de pacificación de las personas con los paisajes. Creo que esa es una manera de pacificar a la gente con su territorio, de cambiarles la percepción”, concluye.

BARCÚ

En su quinta versión, el Festival Cultural y Feria de Arte Barcú invita a los bogotanos a disfrutar de muestras de arte, música, cine y cultura en espacios no convencionales. Estos espacios están  concentrados en las empinadas calles de La Candelaria, en el centro de la ciudad, que durante cinco días se llenarán de pinturas, esculturas, fotografías, grafitis, música y color.

Dónde: 17 casas del Centro Histórico de La Candelaria.
Cuándo: del 24 al 29 de octubre.

Pintora de mujeres para mujeres

Con tan solo 26 años, María Clara Fuentes logró conquistar los escenarios de la tercera edición del Circuito Arte Moda, la muestra itinerante más importante de Latinoamérica

María Clara Fuentes

La sensibilidad artística hace parte de los días de María Clara desde que ella puede recordarlo, incluso la ha abrazado desde antes de su llegada al mundo: en su familia, distintas facetas de la pasión han sido el pan diario de dos generaciones. Su abuela materna es pintora empírica –y también su primera influencia–, su abuela paterna fue una cantante soprano, su madre es diseñadora textil y estudió expresión pictórica en la universidad, y su papá entrega todo de sí para trabajar sobre la estufa y dar sabor a la vida. Era casi un dictamen genético que sus manos y su espíritu transitaran los mismos senderos.

En efecto, así sucedió. Cuando era aún una niña, empezó a bocetar en una bitácora los paisajes verdes que la naturaleza de Tominé, en la finca familiar, le ofrecían a la vista. A partir de ese primer trazo, nunca dejó de dibujar, y aunque sus intereses plásticos son amplios, la pintura se ganó un lugar preponderante en su corazón: “Es lo más importante en este momento de mi vida, sueño con ser reconocida como una pintora, ser siempre mejor y no dejar de aprender nunca”, cuenta María Clara, quien siempre le ha apostado a plasmar la figura humana, que para ella implica tambiéncapturar su desnudez inocua.

En ese campo específico, el óleo es su técnica predilecta desde hace cinco años. Para desempeñarla, retoma prácticas antiguas –que han entrado en desuso actualmente– de pintores clásicos como Miguel Ángel o Rembrandt. Sus obras las crea desde cero, armando ella misma el lienzo y arreglando la tela con colágeno natural. Con esa base lista, sus ideas se plasman en formatos con dimensiones más grandes que ella. Sus cuadros pueden tener entre dos y tres metros de alto y ancho. Aunque el tamaño varíe, el objeto de su trabajo permanece intacto: “La ginergía es lo que más me inspira, mostrar la fuerza femenina a través de los ciclos menstruales, que son comunes a todas nosotras y nos permiten empoderarnos”, explica.

Para el Circuito Arte Moda, María Clara preparó –durante más de un año– cinco piezas en las que prevalecen técnicas mixtas con retoques digitales, y que buscan explorar la feminidad y el autorreconocimiento, ya que la artista está convencida de que solo podemos entender a los demás cuando nos conocemos a nosotros mismos primero.

CIRCUITO ARTE MODA

En su tercera versión, este evento convertirá a Bogotá en una gigantesca galería donde habrá de todo: arte plástico, pintura, moda, gastronomía, instalaciones florales, conciertos, muestras de fotografía y lanzamientos de productos, entre muchas otras experiencias.

Dónde: 40 locaciones de la ciudad
Cuándo: del 23 al 28 de octubre.

Explorando el paisaje

David Guarnizo, que este año presentará su obra por tercera vez consecutiva en La feria del millón, le contó a CARAS sobre la motivación que da origen a su trabajo e hizo algunas reflexiones sobre el arte contemporáneo

David Guarnizo

El ejercicio del artista se encuentra en el hacer, y tener un título está bien, estar en la universidad es bueno porque aprendes de tus maestros y eso es muy valioso, pero definitivamente lo que te hace artista es hacer obra”, dice David Guarnizo, basado en su propia experiencia.

Como a muchos les sucede, cuando él se graduó como artista de la Universidad Nacional, se encontró ante la paradoja sobre el significado de su profesión, y tras dos años de dedicarse a otros oficios, decidió empezar a hacer arte en forma, lo que coincidió con el comienzo de su especialización en fotografía. Desde entonces, el ejercicio se convirtió en su labor permanente.

David explica que en el arte contemporáneo es difícil clasificar a los artistas por sus técnicas, y asegura que “en este momento, uno puede decir que los sujetos de investigación de los artistas son su materia de creación, como en otros tiempos pudieron haber sido la arcilla o el mármol. Yo podría decir que el paisaje es mi materia, y en el proceso de trabajar con esa materia surgen manifestaciones. Esa materia a veces saca una manifestación en fotografía, o en video-performance o en dibujo o en grabado, pero siempre está presente ese punto de origen: que soy yo en el paisaje, la relación del ser humano con el territorio y los significados que esto produce”.

El horizonte, los límites dentro del paisaje, las líneas que demarcan un territorio y la acción del ser humano de toparse contra esos límites son algunos de los temas de investigación que se evidencian en la obra del artista a través de diversas técnicas. Por ejemplo, el trabajo de David forma parte en este momento de la exposición de Nuevos nombres del Banco de la República, y las obras que están allí exhibidas tratan sobre el paisaje pero desde una mirada sobre la construcción cultural, y expresan una visión personal frente al paisaje. “Como, por ejemplo, las monedas nuevas en las que hay fauna y flora colombiana. Eso, de alguna manera, es paisaje, porque es una configuración cultural de nuestro territorio”.

Muy pronto, David presentará en La feria del millón de este año una serie de obras que continúan con esta línea de estudio.  Al seguir investigando sobre los billetes y sobre cómo estos tienen un paisaje establecido como la identidad cultural de un país, el artista comenzó a hacer una recolección de billetes de otros países del mundo y de otros tiempos y “lo que hago es extraer el paisaje del billete y limpiarlo de elementos institucionales, para luego transferir ese paisaje sobre piedra. Escogí este material porque la imagen que está en el billete representa, de cierta forma, un mecanismo de permanencia y legitimidad. Y la piedra tiene que ver con esas ideas: lo que está en piedra permanece durante un tiempo mayor que el ser humano y por eso adquiere legitimidad.

Además, la imagen transferida en piedra está relacionada con los pictogramas prehistóricos, como en las cuevas de Altamira y Lascaux, porque son un retrato sobre piedra de nuestra cosmovisión, de nuestra percepción de la cultura y la naturaleza”, concluye Guarnizo.

FERIA DEL MILLÓN

Este año, la plataforma artística y cultural celebra su sexto aniversario poniendo al alcance de los amantes del arte obras de jóvenes artistas emergentes del país, que tienen un precio cercano al millón de pesos.

Dónde: Centro Creativo Textura. Carrera 54 No. 5C-33
Cuándo: 27 y 28 de octubre

Letras que amplían mentes

En el marco de ArtBo, la curadora María Wills presentará su libro Los cuatro evangelistas, en el que analiza el papel de cuatro personajes claves en el desarrollo del arte contemporáneo en el país

María Wills

“Para mí, la curaduría de arte es estar detrás de los procesos artísticos, para poder contar las historias que hay en ellos y las de los artistas mismos”. Así, de una manera muy sucinta, explica María Wills su labor. Luego profundiza: “Es un trabajo que involucra la capacidad de narrar, la capacidad de tener buen ojo y la de poder enmarcar, tanto desde un sentido físico como conceptual, las obras de arte”.

Esa labor, fundamental hoy para el desarrollo del arte, tiene una larga historia en el país, llena de nombres que dieron grandes contribuciones, entre ellos el de Marta Traba, a quien María considera “una figura clave, la precursora de todos los cambios”. Y los cambios a los que hace referencia son los que forjaron cuatro personas definitivas en la historia del arte contemporáneo de nuestro país: Álvaro Barrios, Miguel González, Eduardo Serrano y Alberto Sierra.

María dedicó cuatro años a estudiar el impacto que tuvieron las iniciativas impulsadas por estas cuatro figuras desde 1969 hasta 1984, época en la que fueron conocidos como “los cuatro evangelistas”, apodo que ella toma prestado para el libro que, fruto de esta investigación, presentará en el marco de ArtBo. En el lanzamiento, María estará con Barrios, González y Serrano, tres de los “evangelistas”.

Para la curadora, la idea de narrar la época y el trabajo de estos cuatro personajes sale de unas reflexiones muy personales sobre cómo ha funcionado históricamente la curaduría en nuestro país: “Claro que antes hubo personas trabajando en diseño de exposiciones de arte, pero ellos cuatro fueron los primeros en ser nombrados como curadores de arte en los museos, así, con el cargo como tal. Además, creo que en ese momento el arte en Colombia se empezó a abrir a otros medios, a nuevas definiciones y maneras de crear. Los procesos se volvieron muy importantes, y ellos cuatro supieron ver eso y darles un espacio a esas nuevas prácticas, cosa que fue supremamente importante y necesaria, obviamente teniendo como plataforma los museos de arte moderno”, explica.

En el libro, María hace un perfil de cada uno de los curadores, dando un marco general y profundizando en un evento puntual que cada uno desarrolló en ciudades y museos diferentes: Eduardo Serrano en Bogotá, Miguel González en Cali, Alberto Sierra en Medellín y Álvaro Barrios en Barranquilla. Más allá de ampliar las fronteras de lo que se consideraba el arte en el país en ese momento, el trabajo de ellos ayudó a descentralizar el arte de Bogotá y, además, trajo el arte de las regiones a la capital del país, “gracias a que los cuatro intercambiaban exposiciones y artistas. No se sabe quién acuñó el sobrenombre de “evangelistas”, pero lo que sí es cierto es que en esa época detentaron mucho poder, y tenían una suerte de poder ‘canonizador’ o ‘evangelizador’, pues sus opiniones legitimaban el arte en ese momento”.

María buscó con su libro acercar la labor de la curaduría y una época clave para el arte contemporáneo del país a un público mucho más amplio: “Me parece que el arte contemporáneo y el arte conceptual han manejado un vocabulario, una semántica muy compleja a veces, con altos componentes de filosofía y teoría. Yo lo que quise es traerlo a un lenguaje que sea muy accesible, que permita que la mayor cantidad de gente le pierda un poco el miedo al arte contemporáneo”.

Y por eso sintió que ArtBo era el momento perfecto para lanzar el libro. Además de que trata de un tema de total relevancia para la feria, durante esta semana hay una gran afluencia de públicos, tanto locales como extranjeros. Pero, lo más importante, es que según María, mucho de este público es “gente pasiva, que durante esa semana se sale de su zona de confort y se moviliza en torno al arte. Pienso que presentar Los cuatro evangelistas esta semana, teniendo la oportunidad de ver a tres de ellos, es clave para que toda la gente, conocedora o no, tenga un acercamiento a un momento inspirador de la historia del arte en nuestro país. Creo que les brindará la posibilidad de ver que el arte va mucho más allá de lo que se ha entendido en Colombia en los últimos tiempos”.

ARTBO

En su versión 14, ArtBo tendrá la participación de 70 galerías de 21 países. Contará con ocho secciones de carácter comercial y no comercial, donde se podrá disfrutar de arte consolidado, emergente y de vanguardia, en diferentes formatos.

Dónde: Corferias
Cuándo: del 25 al 28 de octubre

Arte en conjunto

Diego García y Sebastián Cruz hacen parte de Laagencia, una oficina de proyectos de arte que presentará en Odeón Intensivo un trabajo denominado ‘Afecto Invernadero’, en el que exploran el cuerpo, el baile y otros procesos

Diego García y Sebastián Cruz

Desde hace ocho años, los cinco artistas que conforman el colectivo Laagencia trabajan juntos en la creación de proyectos artísticos y de espacios educativos alternativos. Diego García, Sebastián Cruz, Santiago Pinyol, Mariana Murcia y Mónica Zamudio integran lo que ellos denominan “una oficina de proyectos artísticos”, y juntos buscan nuevas maneras de crear y experimentar en el campo del arte, trascendiendo los límites del imaginario tradicional de esta disciplina.

Sebastián y Diego conversaron con CARAS acerca de la historia del colectivo y de los distintos procesos que ha vivido. Ellos cuentan que los cinco artistas se encontraron, pues tenían estudios de arte en el mismo edificio, en el barrio Chapinero de Bogotá. Al principio contaban con un espacio en el primer piso de ese mismo edificio, donde hoy hay un café. Allí realizaban exposiciones de arte individuales de proyectos que fueran pensados específicamente para ese espacio, cuyas paredes en su mayoría eran de vidrio, y todos los artistas que participaban entraban en un diálogo abierto con Laagencia, cumpliendo su propósito de hacer arte en conjunto.

Con el tiempo, ese proyecto mutó, a medida que el contexto del arte en Bogotá también iba evolucionando. Así, surgió un proyecto llamado Escuelas de Garaje. “Empezamos este nuevo ciclo de Laagencia, en el que realizamos proyectos que están más vinculados con la esfera de lo que llamamos Arte + educación, y no es una escuela de arte, no es una escuela para el arte, es más una escuela desde el arte”, explica Sebastián.

Este proyecto obedece también al planteamiento que tiene el colectivo y que consiste en explorar más allá de las fronteras del arte como un ejercicio que termina por generar un producto final. Diego explica que “nosotros definimos que nuestra práctica artística gira en torno a los procesos y hemos aprendido que hay otros procesos en el arte y por eso hemos estado desde el arte haciendo investigación en arte y educación”, y Sebastián agrega que “hemos adaptado este modelo constructivo de ‘do it yourself’ a ‘do it with others’. Nuestros proyectos se conciben como plataformas para colaborar con otras personas”.

Así funciona el proyecto que Laagencia presentará en Espacio Odeón en la Semana del arte de Bogotá, aprovechando que este año decidió darle un giro a su propuesta y ha creado una nueva, llamada Odeón Intensivo, y que se aleja de los lineamientos comerciales, dándoles cabida a expresiones creativas diferentes.
Afecto Invernadero es el proyecto del colectivo: “Con este vamos a trabajar en cuatro ejes: radiación, reflexión, condensación y evaporación. Vamos a deformar esas palabras y a relacionarlas con el cuerpo, con el baile y con otros procesos que estamos investigando de otros artistas”, dice Diego.

Las personas que asistan a conocer este proyecto se encontrarán con un cerramiento de plástico, dentro del cual podrán usar dispositivos MP3 que cuentan con listas de reproducción creadas por los miembros de Laagencia, de Odeón y otros artistas, y podrán oír las pistas, bailar o interactuar con distintos dispositivos coreográficos. Y en las noches, durante un rango de tiempo, un invitado va a hacer un taller, una acción o un performance que responde a cada uno de los cuatro ejes planteados inicialmente.

ODEÓN  INTENSIVO

Este es el primer año que Espacio Odeón presenta esta propuesta, que se desvincula de la feria y su connotación comercial, y trae en su lugar acciones, instalaciones, proyecciones, performances y proyectos site-specific de diferentes artistas.

Dónde: Carrera 5ª # 12C -73
Cuándo: del 25 al 28 de octubre

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